Biografie
Jean Tinguely
1925-1991

Eva Aeppli (1925−2015)

Eva Aeppli, am 2. Mai 1925 in Zofingen geboren, wuchs mit ihren Eltern und drei Geschwistern in Basel auf. Sie besuchte dort die Steiner-Schule, die von ihrem Vater mitbegründet wurde. Während des Zweiten Weltkrieges belegte sie Kurse an der Kunstgewerbeschule und schuf erste Stofffiguren, Handpuppen, die sie in verschiedenen Geschäften verkaufte.

In der Gewerbeschule hatte sie auch Jean Tinguely kennengelernt. Ihre gemeinsame Tochter Miriam, wurde am 27. Januar 1950 geboren. Tinguely und Aeppli heirateten am 10. Mai 1951. 1949 begann Eva Aepplis langjährige, enge Freundschaft mit Daniel Spoerri, dem Aeppli und Tinguely nach Paris folgten. Hier beginnt ihr künstlerisches Werk mit Stoffbildern und Kohlezeichnungen, meist von Menschen, oft hageren Gestalten in düsterer Stimmung.

Ab 1954 schuf Aeppli Les Livres de Vie (Die Lebensbücher), die am Ende 15 Bände umfassen. Die Bücher sind Zeugen ihres künstlerischen wie privaten Netzwerks und vereinen Einladungen zu Ausstellungen, Fotos von Freund:innen, Briefe, Karten, Zeichnungen, kleine Notizen und grosse Dokumente aller Art bis zu Testamententwürfen. Les Livres de Vie bilden einen roten Faden durch ihr Künstlerinnenleben, das ansonsten von stetem Wechsel geprägt ist.

1960 trennte sich Aeppli von Tinguely und heiratete den amerikanischen Anwalt Samuel Mercer, mit dem sie zeitweise in Omaha/NE lebte. In den folgenden Jahren entstand Eva Aepplis zweiter Werkblock: Grossformatige Gemälde, Öl auf Leinwand, auf denen meist Köpfe in grosser Zahl dargestellt sind. Es sind einerseits Totenköpfe, Schädel und andererseits stilisierte Gesichter. Sie erinnern an morbide Darstellungen von Toten, an Fotografien von Leichenbergen, an Krieg und Konzentrationslager.

In der Mitte der 1960er Jahre fertigte sie die ersten textilen Plastiken, lebensgrosse Figuren mit eindrucksvollen Gesichtern und langen, dünnen Händen. Des Weiteren kreierte die Künstlerin Einzelfiguren, die in Fauteuils sitzend als stille Wächter der Welt fungieren. Eine intensive Auseinandersetzung mit der Astrologie führten zur Kreation verschiedener Figurengruppen, als erste Die zehn Planeten, die 1976 an der Biennale in Venedig gezeigt wurden. Von den Figuren behielt sie nur die Köpfe, die 1990 in Bronze gegossen wurden. In der Folge entstanden weitere Gruppen von Köpfen aus feinem Stoff, die in Bronze gegossen wurden. Es sind Köpfe, deren Gesichtsausdrücke tief empfundene Emotionen festhalten.

Eine letzte Werkgruppe schuf die Künstlerin 1990 und 1991. Es sind Skulpturen, die sie gemeinsam mit Tinguely kreierte, morbide Figuren wie die Hommage à Käthe Kollwitz (Kunstmuseum Solothurn). Auch mit anderen Künstler:innen, wie Jean-Pierre Raynaud oder Daniel Spoerri, arbeitete sie zusammen. Am 4. Mai 2015, kurz nach ihrem 90. Geburtstag, starb Eva Aeppli.

Roger Bordier über Tinguelys Werke in der Ausstellung «Le Mouvement»

«Seine bewegten Bilder sind nach Calders Mobiles und im Übrigen auf einer ganz anderen Ebene die bedeutendste Realisierung im Bereich der Bewegung und des veränderbaren Werks. Sie eröffnen ein weites Feld für die gegenwärtigen Experimente, und man darf feststellen, dass es Tinguely war, der die Grundlagen für eine neue, der klassischen Formel des Bildes angepassten Kunst legte. Seine Elemente, Kreise und Stäbe, bewegen sich mühelos, schieben sich gegen- und übereinander und schaffen mit Hilfe eines besonderen Elektromotörchens ständig neue Figuren. Hinzu kommt, dass die einzelnen Elemente unterschiedlich angetrieben werden und sich nicht im selben Rhythmus drehen, dass die Gummiriemen die Chancen einer unregelmässigen Geschwindigkeit weiter erhöhen und vieles andere mehr. (…)

Seither wandte er sich vermehrt der Eroberung der Dreidimensionalität zu, indem er diese Reliefs zwang, den ganzen Raum in Beschlag zu nehmen. Seine in dieser Hinsicht merkwürdigste Arbeit ist die Sculpture méta-mécanique automobile, die wie ein Kinderspielzeug aufgezogen wird und sich ganz von alleine fortbewegt, indem sie ihre gelb, rot und weiss bemalten Stäbe, Kreise und Halbkreise fröhlich und auf niemals gleiche Weise in alle Richtungen schwenkt. Tinguely entwickelte im Grunde einen abstrakten mechanischen Tanz, eine Anwendung, die uns noch weiter beschäftigen wird.»

Yves Klein (1928−1962)

Der Maler, Bildhauer und Performancekünstler Yves Klein ist besonders für seine monochromen, häufig in einem intensiven, leuchtenden Ultramarinblau gehaltenen Gemälde bekannt. Klein wuchs in Paris und Nizza auf. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit war er ein erfolgreicher Judoka.

Nach zahlreichen Auslandsaufenthalten, unter anderem in Grossbritannien, Spanien und Japan, lebte er ab 1955 in Paris. Dort lernte er bereits früh den Kunstkritiker Pierre Restany kennen. Die von Klein verwendete, spezielle blaue Farbe, welche durch die Kombination des Pigments mit einem Fixativ entstand, lies er sich 1960 unter dem Titel «International Klein Blue» (I.K.B.) patentieren. Ab 1957 schuf er seine Anthropometrien, bei denen, teils als Happening mit begleitender Musik inszeniert, weibliche Modelle mit blauer Farbe bemalt wurden und Körperabdrücke auf Papier hinterliessen.

Klein verfolgte das selbsternannte Ziel einer «immateriellen Sensibilität». Aufsehen erregten beispielsweise seine Ausstellung Le Vide (La Spécialisation de la sensibilité à lʼétat matière première en sensibilité picturale stabilisé) in der Galerie Iris Clert (1958) oder seine Arbeit Sprung ins Leere (1960). Er experimentierte mit den Elementen Feuer, Wasser und Luft. In diesem Rahmen entstanden auch seine Kosmogonien unter dem Einfluss von Wind und Regen sowie seine Feuerbilder.

Klein war Mitglied der 1960 in Paris formierten Nouveaux Réalistes. Ausserdem war er Teil eines engen Netzwerks europäischer Künstler, darunter befanden sich unter anderem die ZERO-Künstler, ebenso wie der italienische Künstler Piero Manzoni. Zwischen 1958 und 1959 war Klein mit der künstlerischen Ausstattung des von Werner Ruhnau gebauten Gelsenkirchener Musiktheaters verantwortlich und entwickelte dort monumentale, blaue Schwammreliefs. 1962 verstarb er früh an einem Herzinfarkt.

Pontus Hultén (1924−2006)

Pontus Hultén wurde 1924 in Stockholm geboren. Nachdem er für ein Jahr Kunst in Kopenhagen studiert hatte, wechselte er an die Universität von Stockholm, um dort von 1945 bis 1951 Kunstgeschichte und Ethnographie zu studieren.

In der Folge arbeitete er zunächst für Museen und Ausstellungsprojekte in Schweden und Paris und produzierte verschiedene Filme. 1959 wurde Hultén Direktor des neu gegründeten Moderna Museet in Stockholm, an dem er bis 1973 tätig war. In der Folge war er Gründungsdirektor zahlreicher namhafter Museen und Institutionen: Musée Nationale d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou (1973–1981), MOCA, Los Angeles (1981–1982), Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques, Paris (1983–1992), Palazzo Grassi, Venedig (1985–1990), Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn (1990–1994), Museum Jean Tinguely, Basel (1995–1997).

Hultén war Kurator wegweisender Ausstellungen im 20. Jahrhundert: Er war beteiligt an der Organisation von Le Mouvement (Galerie Denise René in Paris, 1955) und Bewogen Beweging (Stedelijk Museum in Amsterdam, Moderna Museet in Stockholm und Louisiana in Dänemark, 1961–1962). Unter anderem war er Kurator der Ausstellungen HON – en katedral (Moderna Museet in Stockholm, 1966), The Machine as seen at the end oft he Mechanical Age (MoMA in New York, 1968) oder Futorismo e futurismi (Palazzo Grassi in Venedig, 1986). Zusammen mit Jean Clair kuratierte Hultén die erste Retrospektive des Werks von Marcel Duchamp, mit der 1977 das Centre Pompidou eröffnet wurde.

Hultén öffnete das Museum für experimentelle Ausstellungsformate und integrierte Lesungen, Filmvorführungen und Konzerte in das Programm. Er stand in persönlichem Kontakt mit zahlreichen Künstler:innen, deren Karrieren er von einem frühen Stadium an förderte. Auch besass er selbst eine grosse Kunstsammlung, die er ein Jahr vor seinem Tod dem Moderna Museet schenkte. Jene Teile des Archivs von Hultén, die Jean Tinguely betreffen, befinden sich heute im Archiv des Museum Tinguely in Basel.

Nouveaux Réalistes

Der französische Kunstkritiker Pierre Restany überzeugte am 27. Oktober 1960 eine Gruppe von Künstlern, die sich in Yves Kleins Apartment versammelt hatten, eine avantgardistische Künstlergruppierung unter dem gemeinsamen Titel des Nouveau Réalisme zu formieren. Das Manifest wurde von Yves Klein designt und in den Farben Blau, Rosa und Gold ausgeführt. Die Unterzeichner waren Arman, François Dufrêne, Raymond Hains, Yves Klein, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely und Jacques Villeglé. Später traten noch César, Christo, Gérard Deschamps, Mimmo Rotella und Niki de Saint Phalle hinzu. Die künstlerische Praxis der Nouveaux Réalistes war durchaus sehr verschieden. Was sie einte, war die Integration gefundener Alltagsmaterialien in ihre Kunstwerke. Diese reichten von den Plakatabrissen der Affichisten (Dufrêne, Hains, Villeglé) bis zu der Verwendung von Objets trouvés in Collagen und Assemblagen, etwa bei Arman, Spoerri, de Saint Phalle und Tinguely. Ihr Slogan lautete: «Nouveau Réalisme = neue Annäherung der Wahrnehmungsfähigkeit an das Reale». In Abgrenzung vor der abstrakten Kunst wollte man sich der Alltagsrealität wieder nähern und zielte auf eine Vereinigung von Kunst und Leben. Mit sogenannten «Actions-Spectacles» sollte eine spontane und direkte Mitwirkung des Publikums hervorgerufen werden. Die neo-avantgardistische Bewegung endete 1970 zugleich mit der Feier ihres 10-jährigen Bestehens in Mailand.

Niki de Saint Phalle (1930−2002)

Niki de Saint Phalle, Tochter eines Franzosen und einer Amerikanerin, wuchs hauptsächlich in den Vereinigten Staaten auf. Nach ihrer Schulzeit arbeitete sie zunächst als Fotomodell. Mit 18 Jahren brannte sie mit ihrem späteren Ehemann Harry Mathews durch. Ab 1952 lebten sie gemeinsam mit ihren zwei Kindern in Paris. Im folgenden Jahr schuf Niki de Saint Phalle ihre ersten Gemälde, in die sie zunehmend auch Alltagsobjekte integrierte.

1956 lernten de Saint Phalle und ihr Mann das Ehepaar Eva Aeppli und Jean Tinguely kennen. Nach ihrer Scheidung von Mathews zog Niki de Saint Phalle 1960 in Tinguelys Atelier in der Impasse Ronsin ein. Sie waren fortan ein Paar, auch wenn sie erst 1971 heirateten.

In Kunstkreisen erlangte de Saint Phalle mit ihren ab 1961 entstandenen Schiessbildern Tirs grössere Aufmerksamkeit. Hierbei schoss die Künstlerin mit einem Gewehr auf die von ihr gefertigten Gipsreliefs, in die neben Objets trouvés auch Farbbeutel eingearbeitet waren. Gekonnt inszenierte sich die Künstlerin bei diesen teils auch öffentlich durchgeführten Schiessaktionen.

Niki de Saint Phalle und Tinguely wohnten ab 1963 in  Soisy-sur-École in der Nähe von Fontainebleau. Ab dieser Zeit folgten unter anderem Figuren und Reliefs von Frauen und Monstern, die als Assemblagen auf Papiermaché ausgeführt und häufig auch mit Wollfäden beklebt wurden. Es entstanden ihre ersten Nanas aus Wolle und Stoff, die sie zunächst als Symbol einer fröhlichen und befreiten Frau beschrieb, schliesslich als Vorboten eines neuen matriarchalischen Zeitalters.

1967 findet ihre erste Retrospektive im Stedelijk Museum in Amsterdam statt. In diesem Jahr hatte sie auch begonnen ihre Figuren aus Polyester herzustellen. In der Folge litt de Saint Phalle an ernsthaften Atembeschwerden, die durch das Einatmen von Polyesterdämpfen und Polyesterstaub bei der Herstellung ihrer Werke verursacht wurden.

Niki de Saint Phalle und Tinguely arbeiteten nicht nur in den grossen, viele Künstler umfassenden Gemeinschaftsprojekten wie Dylaby, Hon und Le Cyclop zusammen, sondern realisierten darüber hinaus zahlreiche gemeinsame Arbeiten. Für die Weltausstellung 1967 in Montreal schufen sie im Auftrag der französischen Regierung Le Paradis fantastique, 1983 wurde ihr Brunnen Fontaine Stravinsky in Paris eingeweiht. Darüber hinaus beteiligte sich Tinguely bei de Saint Phalles Projekten Jardin des Tarots, Le Golem und Le Dragon, für die er die technische Konstruktion lieferte und Hilfe beim Aufbau leistete. Mit dem Tarot-Garten hatte de Saint Phalle 1979 begonnen. Er bildet den Höhepunkt ihrer Arbeit mit begehbaren Kunstwerken und Ensembles von Skulpturen. Sie arbeitete daran 15 Jahre bis zur Eröffnung des Gartens.

Die Künstlerin litt wiederholt an Lungenkrankheiten und rheumatischer Arthritis. 2002 verstarb sie im Alter von 71 Jahren in Kalifornien.